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왜 벤야민은 사진에 관심을 가졌을까? (<아케이드 프로젝트>, 1573)

벤야민(1892~1940)이 매체미학의 선구자로 알려져 있다. 대표적으로 <기술복제의 예술작품> (1936)과 <사진의 작은 역사> (1931년 <문학세계> 발표)라는 논문에서 기계장치에 의해 대체되는 예술에 관해 혁신적인 관점으로 바라보았다. 100년 전부터 시대를 앞서간 그의 이론의 기초를 이루는 것이 <아케이드>의 사진에 관한 자료 모음을 통해 살펴 볼 수 있다. 그는 왜 사진에 관심을 가졌을까? 벤야민에 따르면 사진은 복제기술로서 어떤 그림, 조각 또는 건물을 현실과는 다른 방식으로 지각하게 해주고, 더 쉽게 파악하게 해준다. 이러한 기술적 복제는 무엇보다 기존의 예술에 비해 더 생생하고 객관적인 표현을 담아낼 수 있을뿐더러 일반 대중에게 더욱 가까이 접할 수 있는 기회를 주었다. <아케이드>의 자료 속에는 당시 예술과 사진에 대한 이러한 대결이 심각하게 대두되었음을 보여준다. “앵그르는 「에콜 데 보자르에 관한 보고에 대한 대답」 (파리, 1863년)에서 답변 대상인 미술 장관을 상대로 에콜 데 보자르 조직을 극히 냉담한 태도로 옹호하고 있다.,,이 때 앵그르의 대답은 낭만파를 겨냥하고 있던 것이 아니다. 그것은 처음(4페이지)부터 바로 산업 |구체적으로 말하면 사진|을 문제시하고 있다. “지금 사람들은 예술에 산업을 혼합시키려고 하고 있다. 산업! 절대 사절이다! 산업은 마땅히 있어야 하는 위치에 머물고 우리 학교 계단 위에는 절대 머무르지 않기를 바라마지않는 바이다……” (1312)

벤야민에 따르면 사진의 본질은 우선 기술이다. 자료들을 살펴보니 사진을 둘러싼 폄하가 당시 심하게 일어난 것 같다. 무엇인가 고귀한 이념을 즉석에서 만들어내기 때문일까? 돈이 많거나 귀족층의 계급만이 자신의 서재나 거실에 장식용으로 수집할 수 있었던 예술이 직접 그린 그림보다 더 생생하게 표현하는 것에 당황해서였을까? 벤야민에 의하면 이러한 정황은 창조적인 것의 이름으로 기술을 전혀 고려하지 않은 속물적 예술 개념만을 주장하기 때문이라고 한다. “사진에서는 전시가치가 제의가치를 전면적으로 밀어내기 시작한다.” (<기술복제의 예술작품, 사진의 작은 역사>, 58) 예술이 존재하던 공간은 중세 성당의 벽과 장식을 통해서였다. 예술의 이러한 종교적인 특성을 벤야민은 제의가치라고 했다. 직접 그려낸 교회와 성당의 그림은 그 자체의 신성한 힘을 지니고 있으며, 또한 당시 예술은 원본만이 아우라(예술작품에서 느껴지는 독특한 품격)를 가질 수 있다고 주장했다. 기계로 대량 복사하는 사진이나 영화는 아우라가 생겨날 수 없다고 하였다. 벤야민은 기술복제 시대의 예술작품에 일어난 결정적 변화는 '아우라의 붕괴'라고 한다. 아우라의 붕괴를 긍정적으로 바라보았다.

초기의 사진이 그토록 다른 어떤 것과도 견줄 수 없을 정도로 독특한 것은 그것들이 기계와 인간의 만남을 처음으로 이미지로 표현하고 있기 때문일 것이다. 마법의 기계를 통해 표현된 사진 속에서 뭔가 특이한 점을 만나게 된다. “「뉴 헤이븐의 생선 파는 여인」의 경우, 사진 속 여인은 무심하면서도 유혹적인 수줍은 모습으로 바닥을 응시하고 있는데, 거기에는 사진사 힐의 예술을 입증하는 증거물 속으로 사라져버리지 않는 무언가가 남아 있다. 그것은 그 당시 살아 있었고 여기 사진에서도 여전히 실재하면서 결코 ‘예술’ 속으로 완전히 편입되려 하지 않는 그 사진 속 여인의 이름을 끈질기게 물으면서, 침묵시킬 수 없는 무엇이다.” (<기술복제 시대의 예술 작품, 사진의 작은 역사> 발터 벤야민, 158) 무의식적으로 엮인 공간이 들어선다는 것이다. 우연히 또는 무심히 사진을 바라보면서, 사람들은 ‘충동의 무의식적 부분을 정신분석을 통해 알게 되듯이 이러한 시각적 무의식의 세계에 관해 사진을 통해 비로소 알게 된다. 내 눈에 보이는 것은 내 속에 그것에 관한 이미지가 있기 때문이다. “인류는 불가능한 것처럼 보였던 것을 발명했다. 기억하는 거울을 발명한 것이다. 사진 말이다.” (1573)