<봄의 제전>에 관하여 (<신음악의 철학>, 221)
스트라빈스키의 3대 발레무용 대표작으로 <불새 Loiseau de fect> (1910), <페트루슈카Petrushka> (1911), <봄의 제전 Le Sacre du Printemps> (1913)이 있다. 스트라빈스키는 말년까지 많은 작품을 만들어 냈는데, 그의 음악 활동은 제 1기 원시주의 시기(primitivism), 제 2기 신고전주의 시기(Neo-Classicism) 제 3기 음렬주의 시기(serialism)로 나누어 볼 수 있다. 그중 그의 제 1기 작품인 <봄의 제전>(The Rite of Spring)은 1913년 세 번째로 작곡된 발레음악으로 곡 위촉자인 디아길레프가 ‘20세기의 제 9번 교향곡’이라는 극찬을 받은 곡이다. <봄의 제전>은 원시주의 시기의 대표적 작품으로 낭만주의 시대의 세련됨을 떠나 인간의 원시적이며, 본능적인 성향을 다양한 리듬과 선율로 표현하고 있다. 원시주의(Primitivism)란 20세기 초 미술과 음악에서 유행한 사조 중 하나로서 원래의 의미는 ‘고대의, 원시, 풍요로운, 재생의 가치를 추구하는 미술’을 지칭하는 용어이다. 원시주의는 기존 예술의 중심에 있던 서구중심의 철학에서 벗어나 아프리카와 아시아 등의 비서구 국가들의 예술과 전통 양식에 대해 새로운 관심을 기울이기 시작하면서 나타나게 되었다. <봄의 제전>은 파리에서 초연한 후, 같은 해 7월 11일에 몽퇴의 지휘와 니진스키의 안무로 런던에 소개되었고, 1920년 12월 15일에는 파리에서 고르슈만의 지휘와 마신느의 안무로 공연되었다. 이 무렵부터 스트라빈스키는 발레공연보다는 연주회 형식을 선호하게 되었고, <봄의 제전>을 최초로 연주회 형식으로 채택하여 상연시켰다. 그 이유는, 물론 스트라빈스키가 발레음악으로 이 작품을 작곡하였지만 발레와 무대장치, 의상 디자인의 그늘 뒤에 가려져 음악이 주목받지 못하였기 때문이다. 1928년 3월, 바르셀로나 연주회를 시작으로, 스트라빈스키는 연주회 형식의 <봄의 제전>을 직접 지휘 하였다.
<봄의 제전>은 1913년 5월 20일 피에르 몽퇴(Pierre Monteux, 1875-1964)의 지휘, 바슬라프 니진스키(Vaslav Nijinsky, 1890-1950)의 안무로 디아길레프 러시아 발레단(Diaghilev's Ballet Russes)에 의해 프랑스 파리의 샹제리제 극장(Theater des Champs-Elysees)에서 초연되었다. 곡은 전체 2부로 나누어져 있고, 제 1부 「대지의 찬미」(L'adoration de la terre, The Aderation of the Earth)와 제 2부 「희생」(Le Sacrifice, The Sacrifice)으로 되어있다. 제 1부는 전 8곡으로 ‘낮’에 해당되고, 제 2부는 전 6곡으로 ‘밤’에 해당되며 각각 지상의 기쁨과 천상의 신비를 상징한다. “<봄의 제전>은 스트라빈스키의 가장 유명한 작품이다. 재료의 측면에서 볼 때도 가장 앞서 있는 작품이며, 그의 자서전에 따르면 <페트루슈카>작업 중에 구상되었다고 한다. 그것은 거의 우연이 아니다. 맛있게 요리된 발레곡과 소란스러운 발레 곡 사이에는 엄격한 대립성이 존재함에도 불구하고 두 곡의 핵심은 공통점을 지닌다. 다시 말해, 집단을 위해 반인간적으로 희생당하는 것이 두 곡이 공유하는 핵심이다. 그것은 비극 없는 제물이다. 그것은 앞으로 등장해야 할 인간의 모습에 바쳐지는 것이 아니라,-자기를 비웃는 것에 의한 것이든, 자기 해체에 의한 것이든 상관없이-제물로 인정된 상태를 맹목적으로 확인하는 데 바쳐진다.” (205) 그러나 초연을 보고 사람들은 기대했던 발레극이 아니어서 난동에 가까운 일이 일어났다. 이것을 잘 묘사하고 있는 영화는 <샤넬과 스트라빈스키>라는 영화에서 잘 표현해내고 있다. 경찰까지 동원되었을 만큼 당시의 소동을 잘 보여주고 있다.
<봄의 제전>에서는 선택과 양식화라는, 가차 없이 적용된 능숙한 원리가 원시시대적인 것의 효과를 내는 작용을 하고 있다. 신낭만주의적인 선율법과 아마도 스트라우스를 말하는 것 같다. 사카린(인공감미료)친 것 같은 달달함을 거부한 음악이다. 때문에 1910년경에 상대적으로 민감한 예술가들은 매우 격렬하게 반항하지 않을 수 없었다. 재료는, 인상주의에서 그랬던 것처럼, 아직 발달되지 못한 음연속체들의 연결로 제한된다. <봄의 제전>에서 화성적으로 가장 소름끼치는 자리, 즉 봄의 윤무의 53-54마디의 선법적 특징을 지닌 관악기 주제를 불협화적으로 재해석하는 자리는 패닉 상태로 고양된 거대한 큰 장터 효과이다. 그 자리는 “울림들의 본능적 삶”의 해방이 결코 아니다. <봄의 제전>의 원시적 효과는 양식화 원리에 부합되지 않는 모든 충동을 스스로에게서 금지시키는 음악적 검열에 힘입은 것이다. 그러나 곡예 하듯이 산출된 퇴행은 그 다음에는 작곡 자체의 퇴행으로, 처리방식의 빈곤화로, 기교의 파멸로 이끈다. 스트라빈스키의 추종자들은 불편한 마음으로 다음의 사실에 만족하는 경향을 보인다. 그들은 스트라빈스키를 리듬의 대가로 설명한다. 그가 선율과 화성적 생각으로부터 자라난 리듬의 차원에 명예를 주었다는 것이며, 이를 통해 파묻혀 있던 음악의 원천들을 발굴했다고 확신하고 있는 것이다. 마찬가지로 <봄의 제전>의 실행들은 원시 제의의 복잡 하면서도 엄격하게 제어된 리듬들을 불러내고 싶어 한다는 것이다. 스트라빈스키의 음악은 조건반사 속에서 흘러간다. 스트라빈스키를 옹호하는 이들이 저지르는 재앙적인 오류가 있다. 그들은 스트라빈스키의 음악에 설정된 것이 결여되어 있고, 가장 엄격한 오성의 의미에서 볼 때 주제성에 결함이 있으며, 형식의 호흡, 과정의 연속성, 원래는 “삶”인 것을 배제시키는 결함이 있음에도 이러한 결함을 생동적인 것을 보증하는 것으로 해석하는 치명적 오류를 저지르고 있는 것이다. “<봄의 제전>에는 대립주의에 대한 거부가 이데올로기적 속임수로 등장한다. 마술사가 예쁜 여자를 버라이어티 무대에서 사라지게 만드는 것처럼, <봄의 제전>에서 자연종교의 짐을 짊어져야 할 주체는 마술처럼 사라지게 된다. 다른 말로 하자면, 제물로 바쳐진 여자와 부족 사이에는 어떤 미적인 반(反)테제도 없게 되며, 그녀의 춤이 부족과 대립하지 않는, 직접적인 동일화를 수행한다. 주체는 음악의 구조물이 전달하는 갈등보다는 더 적은 정도의 갈등만을 드러낼 뿐이다. 간택 받은 여자는 죽음에 이르는 춤을 스스로 춘다.” (221)
집단적인 춤이 무슨 의미가 있을까? 라는 생각을 하면서 유심히 동영상을 여러 차례 보았다. 이 책을 읽으면서 깨닫게 된 것은 정말 철저하게 집단화 된 사람의 모습을 표현해 준다는 것이다. 선택된 여인이 추는 기계적인 춤도 참 인상적이었다. 자신의 희생에 대해 좌절과 분노의 광란의 몸짓이 아닌 순응하는 몸짓처럼 느껴졌다. <봄의 제전>에는 변증법이 빠져있다. 맹목적인 사회와의 일치된 주관 없는 개인들의 모습이 빠져있는 것을 보여주는 것이다.
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